Durante una vacanza in Ruritania, un cittadino inglese aiuta a debellare una congiura politica locale sfruttando anche la sua straordinaria somiglianza con il re del Paese. Avventure di cappa e spada con ampi risvolti comici. Ricca, fedele e piacevole versione della nota vicenda, quasi un remake del capolavoro di John Cromwell del 1937. Sgargiante technicolor e James Mason splendido cattivo.

“Il film, realizzato con larghi mezzi, si vale di una regia abbastanza efficace e di una buona recitazione. E’ in complesso uno spettacolo interessante.” (‘Segnalazioni cinematografiche’, vol. 34, 1953)

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In Francia, alla vigilia della Rivoluzione, un giovane poeta donnaiolo vede un bieco ministro del re, spadaccino provetto, uccidere un suo amico, oppositore della monarchia, e decide di vendicarlo. Nascostosi in una compagnia di comici sotto la maschera di Scaramouche, aspetta il momento propizio e impara a maneggiare la spada. La resa dei conti verrà a teatro nel corso di una rappresentazione. Però, prima d’immergere la spada nel petto del fellone, l’eroe scoprirà che questi è suo fratello e rinuncerà al suo progetto preferendo sposare una bella contessina.

Smagliante e scanzonato cappa e spada di George Sidney che riempie lo schermo di sontuosi costumi, castissimi flirt, entusiasmanti duelli, in altalena tra commedia e melodramma. L’atletico e sorridente Stewart Granger, i celebri favoriti non ancora bianchi in bella vista, è un portento di rubacuori”. (Massimo Bertarelli, ‘Il giornale’, 26 marzo 2003)

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Nell’imminenza dello sbarco in Normandia, il comando supremo dell’esercito americano affida al maggiore John Reisman l’incarico di far saltare in aria un castello, situato nella Francia occupata dai nazisti, nel quale sono soliti riunirsi in gran numero alti ufficiali tedeschi. Per compiere la missione il maggiore Reisman ha a sua disposizione dodici militari, condannati alla pena capitale o a trent’anni per gravissimi reati, ai quali non viene offerta altra scelta che scontare la pena o affrontare la morte nell’assalto al castello.

La guerra è un gioco di pazzi, sembra dire Aldrich, ma un gioco da cui può emergere il meglio anche dalla peggiore feccia. Ambiguo, sporco, politicamente scorrettissimo e guerrafondaio, ma con un ritmo e un cinismo insuperati. Energia da vendere e gran cast tenuto insieme da Lee Marvin.

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Lo squalo

La cittadina di Amity, situata su un’isoletta dell’oceano atlantico, deve al turismo la sua prosperità. Una sera, una ragazza viene dilaniata da uno squalo enorme. Davanti alla denuncia del fatto, lo sceriffo Martin vorrebbe far sospendere le balneazioni, ma si trova di fronte l’opposizione del sindaco, preoccupato per gli inconvenienti economici di una tale decisione. Il mostro però colpisce ancora. Martin organizza una squadra con l’anziano pescatore Quint e con l’oceanologo Matt Hooper.

È il film che ha trasformato un ottimo cineasta in una delle più implacabili macchine da dollari della storia del cinema. Spielberg vi coniuga l’avventura con l’horror, con i migliori effetti speciali disponibili all’epoca e inaugurando la strada lungo la quale Hollywood si sarebbe lanciata per il decennio successivo. All’origine del film c’è un mediocre romanzo di Peter Benchley su cui Spielberg costruisce un meccanismo narrativo dal crescendo irresistibile.

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I guerrieri della notte

Durante il meeting indetto per mettere pace tra le bande di New York, viene ucciso Cyrus, l’organizzatore dell’incontro. Dell’omicidio vengono accusati i Warriors, e per loro il ritorno a casa sarà sanguinoso e pieno di agguati. All’alba, raggiunta la spiaggia di Coney Island, i Warriors dovranno sostenere la sfida finale…

Partendo da un romanzo di metà anni Sessanta, ispirato all’Anabasi di Senofonte, Walter Hill ha girato in fretta e furia un piccolo, grande gioiello cinematografico, che a oltre quarant’anni dalla sua uscita non ha perso un grammo di efficacia. Merito di una struttura narrativa compatta e precisissima, di una regia essenziale capace però di flirtare col western, con l’horror e perfino col musical (nelle coreografie di lotta), mantenendo il film un claustrofobico thriller metropolitano. Merito anche di personaggi e di battute che hanno conquistato gli spettatori, dimostrando di avere quel magnetismo e quella magia per le quali la definizione di cult movie sembra essere stata inventata. (Federico Gironi – Comingsoon.it)

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Siamo in Inghilterra, ai primi decenni del XIX secolo. Sir Verden Fell, dopo la morte della moglie Ligeia, vive solo con il vecchio domestico Kendrick nella parte ancora abitabile di una fatiscente abbazia. Uno strano incubo pesa sulle misteriose rovine e sui suoi due abitanti: Ligeia vi è stata sepolta, ma qualcosa di lei sembra ancora sussistere minacciosamente. Verden, quasi soggiogato dall’assicurazione fattagli da Ligeia di essere capace di vincere la morte con la volontà, è convinto della presenza di sua moglie. Incontratosi casualmente con Lady Rowena, graziosa figlia d’un signore abitante nel pressi, se ne innamora, trova corrispondenza e la sposa. Ma quando la giovane donna entra come padrona nella casa, la morte inizia una strana danza attorno a lei…

Con questo film girato in Inghilterra, Corman chiude in grande stile la serie dei titoli ispirati ai racconti di Egar A. Poe, iniziata nel ’60 con I vivi e i morti. Assoluto padrone della scena è Vincent Price, vero e proprio nume tutelare della scorribanda cormaniana tra le ossessioni del celebre scrittore. Angosciante, barocco e feroce.

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Il poliziotto oriundo italoamericano Frank Serpico viene portato d’urgenza in ospedale e un flashback ci mostra la sua storia. Arruolatosi giovane e con entusiasmo nel corpo di polizia di New York, si infiltra negli ambienti della malavita, ma scopre ben presto come la stragrande maggioranza dei suoi colleghi siano corrotti. Tenta, allora, di denunciare il marcio, ma viene sistematicamente ignorato dai suoi superiori. Quando il caso esplode, Serpico viene emarginato dai colleghi che cercano di provocarne la morte…

Film storico, da tutti conosciuto e da quasi tutti apprezzato anzi apprezzatissimo. Non si può dire che sia un film brutto o che sia fatto male: la regia di Lumet è quella dei giorni migliori e Al Pacino si presta ad un personalissimo show da brividi, con un’interpretazione intensa, quasi folle e disperata, forte, contro tutti e tutti.

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Harker va al castello del conte Dracula per trattare l’acquisto di una casa. Tutti cercano di fargli cambiare idea, ma lui non ha paura né dei vampiri né dei misteri. Dracula assale Harker, ne fa un vampiro e decide di sedurgli anche la moglie. La donna (che conosce le debolezze dei vampiri) riesce a intrattenere Nosferatu fino all’alba e ne causa così la morte.

Remake del capolavoro del cinema muto, questa pellicola di Werner Herzog è sicuramente la migliore della sua carriera.
Si apre in maniera memorabile: il volo dei pipistrelli al rallentatore e le mummie messicane che accompagnano i titoli di testa, è veramente un incipit suggestivo che ha scritto la storia del cinema. Le scene di paura, sono orchestrate in maniera magistrale, lentezza studiata alla perfezione, che mantiene la tensione alta dall’inizio fino all’ultima illuminante sequenza. – L’ombra che si staglia nel muro di Dracula, la cui immagine non si riflette nello specchio è veramente qualcosa di eccezionale. –
L’atmosfera della pellicola è sempre funebre e cupa – straordinaria la scena della piazza sommersa dai topi -.
Gli interpreti, eccezionali, da Bruno Ganz ( doppiato dal sempre bravo Ferruccio Amendola ), alla bellissima Isabelle Adjani, eterea e incantevole, perfetta per il ruolo.
Kinski  firma forse la migliore interpretazione della sua carriera, rimandandoci al vampiro di Murnau con gli occhi infossati, i denti da roditore e gli artigli ad uncino solo che Kinski, aggiunge al personaggio, tristezza e pietà e di conseguenza crea un vampiro più umano, un uomo intrappolato fra il mondo dei vivi e quello degli immortali.

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Fuga da Alcatraz

L’undici giugno 1962 tre reclusi evasero dalla terribile prigione-fortezza di Alcatraz. Nessuno era mai riuscito a portare a buon fine una fuga, in ventisei anni di funzionamento della casa di pena; ma Frank Morris e i due fratelli Anglin ci riuscirono. Questa la storia, realmente accaduta, narrata nel film.

L’ultima collaborazione tra Don Siegel e Clint Eastwood. Ambienti curati, personaggi ben definiti, tensione crescente e una buona dose di ironia cui anche Eastwood si adegua volentieri. (Francesco Mininni, Magazine italiano tv)Siegel riscatta gli stereotipi prosciugandoli con lo stile. Fa economia di tutto, perfino di violenza, con una tensione che arriva alla suspence ma senza cercarne gli effetti. E’ un film da scuola di cinema. Eastwood in gran forma. (Laura e Morando Morandini, Telesette)Il film sfrutta come elementi spettacolari quelli piu’ esteriori. Ma difetta di aperture ideologiche o di quelle introspezioni metafisiche e allegoriche che resero, ad esempio, un capolavoro “Il condannato a morte è fuggito” di Bresson. (Segnalazioni cinematografiche)

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Ayesha è la regina di una tribù segreta d’Egitto, e conserva il fuoco dell’eterna giovinezza. Ha 2000 anni ed è sola. Perciò attira a sé un giovane inglese che somiglia al suo antico amante. Produce la britannica Hammer, celebre per i suoi horror a colori del periodo. Dal romanzo di Haggard “She-la donna eterna”.

Il racconto di Henry Rider Haggard (quello de Le Miniere di Re Salomone), portato sullo schermo l’ultima  volta nel 1935 da Irving Pichel (La Donna Eterna), meritava di più: questa oltremodo ingenua produzione “Hammer” non ne sa sfruttare i punti di forza, vale a dire l’elemento fantastico e quello romantico in sinergia in un impianto allegorico (l’attesa della vergine, gli ostacoli del maschio per possederla, la tormentata scelta fra eletta e tentatrice). Si punta quasi tutto (e con successo) sull’erotismo, seducendo lo sguardo a partire da un locale colmo di danzatrici del ventre seminude e passando lo scettro a due “belli” come protagonisti, l’aitante John Richardson e Ursula Andress che, “vestita” con veli trasparenti, toglie il fiato e da sola vale la visione. Sono però da citare la terrificante sequenza del pozzo e le coreografie “selvagge” (con gli Oo-bla-da dancers) a suon di tamburo (commento sonoro di James Bernard).

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